時間：2022-09-18 12:27:14
序論：在您撰寫創作藝術論文時，參考他人的優秀作品可以開闊視野，小編為您整理的7篇范文，希望這些建議能夠激發您的創作熱情，引導您走向新的創作高度。
手繪創作在環境藝術設計中的重要性：針對環境藝術設計專業的特征，手繪草圖不僅能夠表現設計者的最初的想法，比如一開始的平面布置圖的手繪、建筑速寫、家具設計、室內外環境設計、展示設計、景觀設計，在環境藝術設計中手繪效果圖形式多樣性和具有的鮮明的個性特征是電腦設計所不能具備的。如美國著名的建筑師賴特，他筆下的建筑畫堪稱經典，風格典雅，線條清晰，這與他的手繪功底是分不開的。著名室內設計師梁志天先生在做室內設計時將手繪作為室內設計的一部分。作為一名設計師在與業主溝通具體的設計方案的時候，手繪草圖勾勒的好壞會直接影響到業主對方案的肯定與否。對環境設計來說，手繪創作是表達設計者對建筑裝飾物內外空間的理想化與可行性的設計構思。在環境藝術設計中將手繪效果圖與電腦效果圖技法充分結合起來運用，能夠快速捕捉并記錄設計師的靈感，自由表達設計構思。手繪創作要求設計師具備良好的繪畫、透視、組織、觀察能力，具有圖形空間表達的素質。例如華裔建筑設計師貝聿銘的華盛頓國家美術館東館，就是通過手繪草圖解決復雜的設計問題。
二、手繪創作在服裝設計與家用紡織品設計中的重要性
在服裝設計中，一件成衣從一開始的草圖到最后的作品，手繪在其中有很多的作用，比如紋樣的勾勒，款式的變化，面料的特征等缺一不可。如北京奧運會的服裝設計都是由手繪草圖而到成品的設計。世界著名的品牌維多利亞的秘密的內衣秀設計也是從手繪草圖開始的設計。服裝設計成衣之前的手繪效果圖，是中間必不可少的一個環節和靈感的源泉。而在家用紡織品的設計中手繪作品體現了原創的重要性，好的家用紡織品的作品和電腦里做出來的花型、紋樣有很大的區別的。在家紡設計教學中，手繪創作不僅能輔助學生進行花型的創作，還能養成良好的制作習慣，從構圖、構思、顏色的確定，都與手繪創作密切相關，是學習中必須重視的一個關鍵技能。在家用紡織品中的手繪設計創作中，創作者能夠按照審美法則按照審美法則，將創作主題與個人觀念的表達相結合，令受眾的視覺感受與心靈產生共鳴形成特有的設計表現語言。比如用手繪的水彩顏料設計出的花型與電腦軟件設計出的相同花型在美感上就有很大的差異性。在家紡設計中用手繪板進行手繪創作也是方法之一，通過手繪板可以畫出自然風格的紋樣形式。在家紡設計中，有很多設計作品仍然直接用手繪的風格來執行最后的紋樣效果，這是因為手繪對個性的表達和審美格調的提升更加直接、更加具體的注入了設計師情感，最大程度豐富設計呈現的感官效果。比如家紡設計中藍印花布的效果，就需要先在布上手繪創作設計圖形后才能出現所要的藍印花布的效果。家紡設計中因為要涉及到很多的花型的問題，所以手繪的作品相對于電腦設計的花型更加受消費者的歡迎，因為手繪的美感、設計感都比電腦設計出的看了舒服、愉悅。在家紡設計中一個成功的手繪設計師是很受用人單位青睞的，所以說在電腦普及的當下，手繪在家紡設計里有著很重要的作用。如圖五是家用紡織品的手繪設計，設計師通過自己的創意，把自己的要表達的想法放在設計里，設計出了獨一無二的設計作品。我們知道家用紡織品的設計是針對不同人群的設計。而每種人群對花型的喜好是不一樣的，比如兒童、青年人、中年人等，都有自己特定的喜好，所以針對這一特點，就需要設計師能夠開發出受不同層次、年齡斷的人喜歡的不同的花型。將花型的設計與家用紡織品的消費群相結合考慮，才能更好的讓消費者青睞。所以說手繪創作在服裝設計與家用紡織品設計中具有重要的作用。
三、手繪創作在平面設計中的重要性
在電腦設計普及的當代平面設計中，有很多平面設計作品仍然直接以手繪的風格來執行最后的圖形圖案效果，這是因為手繪對個性的表達和審美格調的提升更加直接、更加具體的注入設計師情感，最大程度豐富設計呈現的感官效果。因此在平面設計中手繪能力的培養是很重要的。例如平面設計師靳埭強設計的作品特點就是將手繪運用到平面設計里，不僅有視覺的沖擊力還讓人們對作品記憶深刻，如圖三的海報設計。他將中國傳統水墨圖形通過書法的運用，將神秘的東方文化與現代設計理念進行了完美的結合。在一些小孩子讀的繪本的創作中，手繪體現了其強大的故事性和可讀性。比如幾米的手繪作品和麥兜響當當里面的麥兜等一系列的形象。就是通過手繪的形式最終確定的卡通形象。在廣告設計、包裝設計、CI設計等方面運用手繪創作不僅僅能夠讓人受眾記憶深刻而且能夠增加所設計的產品的知名度。比如一個系列的廣告創作的設計中，先通過手繪的設計出方案，然后再在電腦里進行創作，不可能沒有手繪的草圖而憑空用電腦設計出你想要的圖形和方案，比如福田繁雄的很多設計也是以手繪為主，對設計作品藝術性要求更高的大師們，對設計風格的把握往往是依靠更加個人化的手繪方式，體現自己設計的風格和與眾不同的特點凸顯出自己作品的藝術性。在平面設計中的標志設計里面，設計出一個簡潔而又可記的標志的前提是經過大量的手繪草圖的修改，而不可能是坐在電腦面前憑空的畫出來，只能通過手繪草圖最后通過電腦軟件把所設計的標志在電腦里最終呈現出來。所以說，在現今的平面設計中，在設計的初級階段、方案比較階段，可以用手繪快速完成，作為設計靈感的記錄和交流，在進行到設計后期時，運用電腦，故兩者不是對立的，而是完全可以相融互補的。
四、結語
數字藝術來源于計算機技術，是計算機技術在藝術領域內的具體化。第二次世界大戰結束后，人類的創作欲望經歷了大戰后的瞬間短路，重新回到正軌上來。隨著二進制的邏輯和數字理論的萌生和論證，全球第一臺電子計算機問世了，直到今天數字技術發展了近一個世紀的革命。人類社會因為數字而變得豐富多彩起來，就是一個簡單“0”“1”演繹出色彩斑斕的數字藝術世界。數字藝術到目前沒有一個準確的定義和范圍，大家比較認同的數字藝術描述是，通過計算機技術，對二進制綜合演繹、其表達的效果必須有虛擬性和互動性。目前為止，數字技術在不長的時間里面經歷的幾代的進化，由一開始簡單的一束激光，發展成幾乎無所不能的藝術創作形式。過去只有專家能做出的藝術作品，隨著數字技術的深入民間，數字藝術的創作也逐漸地走向民眾化。
2數字藝術脫離于技術之外的美學要素
藝術世界，數字技術與傳統藝術是相輔相成的，數字藝術利用高科技手段營造絢麗效果和視覺沖擊的同時，離不開傳統藝術的美學概念。數字藝術的表現力高于傳統美學，而數字藝術的思想卻大體遵循傳統美學的脈絡和傳統美學的特征。
2.1傳統視覺藝術形象的發展走向
我國的傳統藝術通常反映了一個時代一個民族的風尚、愿望、特質。具有鮮明的時代特征和民族內涵，在炎黃子孫幾千年文明的徽標和智慧的結晶。人類的美感和美學是一種對自然認識的本能的取向，傳統的美學在人類對自然產生認識能力之初，就相伴而生了。在傳統的美學概念中，人們對美的感受和描述，始終沒有離開具體的事物、事件，研究的對象的不斷進化，人類的美學觀念也隨之而變化。歷經千年形成了現代我們眼中的美學。傳統美學的發展變化多端，根據歷史發展階段的不同，經歷了理性、感性的認知過程。慢慢地形成了美學依托于美感，美感被美學所闡釋的美學發展模式。黑格爾在美學發展的歷史上居功至偉，他在繼承先賢美學理論的同時，將美學概念中加入了社會和哲學的元素，構建了較完整的美學體系。
2.2數字藝術中的美學演繹要素
現下科技的發展已經到了讓人難以置信的程度，地球兩端的兩個人。遠隔萬里，卻依托于數字技術的存在，而可以自由的互相交流。自己的作品或者涂鴉，都可以迅速地被世界各個角落能感知到。人們對數字技術的依賴造就了現在數字藝術的創作過程。數字藝術的美學概念是可以無極限的，是可以無限延伸?，F代數字藝術中的美學新特征，首先意味著自由、智慧、開放。不同于傳統美學觀念，數字藝術的創作之初就源于展示、源于審美感受的分享欲望、源于創作者文化理念和價值被感知被認同的需求。數字藝術出現終結了過去傳統美學一家獨大的格局，使得藝術流派的概念越來越趨向于模糊和共存。
2.3數字藝術在傳統美學上的延續和變革
我國傳統美學向數字藝術進化過程，源于二進制和計算機技術的引入。美學從萌芽初期就注定美學理論的發展是不斷的革新中達到完善的。數字藝術雖然在表現形式和載體上有別于東方傳統的美學藝術形式，但美學中約定俗成的通用認識不會被改變，我們祖先留給我們的美學文化遺產，在數字技術的渲染下，得到了更加詳細的詮釋。這就使當代數字技術在中國的發展成為必然趨勢?；诙嗄陙韨鹘y藝術對現實的表達和數字藝術對虛擬認知現實的表達，當代的數字藝術的發展，在體現生動活潑的時代精神的同時，以數字手段展示我們的傳統美學的理念。
2.4數字藝術在技術與美學中的相互影響中得到了平衡
數字技術的進步速度世人矚目，數字技術的便利讓眾多的創作者聲名鵲起。人們在討論數字藝術的同時，往往聯想更多的是某個編程高手，某個電腦大師，而往往忽略了創作本身的藝術價值。這是一種說說上的誤區。當前數字藝術展示社會各個角度生活縮影的同時，應該更加注重于技術服從于藝術規律，將特效制作更替為特效創作。開放性的數字藝術應該在傳統美學基礎上，使藝術和技術同時發生了質的飛躍，創作者的藝術觀得到了跳躍式的升華。
3數字藝術在傳統美學的助推下多元化、全方位展示美學概念的可能性
數字藝術領域的美學特征，因其表現形式的多樣化，就決定了數字藝術能夠涵蓋大多數的藝術形式，以虛擬化的形式表達出來。傳統美學形象表現語言在數字技術作用下成為多維表現語言，過去觀其形，得其神藝術欣賞形式，數字藝術領域內也變成了“READ時代”。多種藝術形式的融合和互通，通過數字技術能夠跨越時空，將傳統美學感受表達的酣暢淋漓。也許人們現在的欣賞角度僅僅停留在對數字藝術帶來的視覺盛宴的視聽享受上，但隨著數字技術的深入，FLASH、3D、MAYA、EFECT等數字工具的不斷更新，數字藝術對傳統美學的闡釋必將更為確切和深遠。
4結束語
（一）用音樂形象激發想象
音樂和美術一樣，都是藝術，是人類想象的產物。音樂能夠通過聲音調動人們的思緒，感染人的情緒，由此激發出人類的創作欲望。在美術教學中，教師可以通過音樂的感染力激發學生的想象力，畫出優秀的作品。比如，當《小夜曲》響起時，優雅的旋律把學生帶入了一個美妙的世界，繁星點點、夜鶯鳴唱，風中帶著花香輕撫著孩子的臉。學生心中洶涌著創作的熱情，只想用手中的畫筆畫下這美好的時刻。當《命運》鏗鏘有力的響起時，悲壯的交響樂震撼著學生的心靈，柔軟的線條都不足以表達心中的激情，只有用畫筆通過點、線、面互相結合，畫出強勁有力的音符，才能宣泄心中的激情。音樂可以激發學生的想象力，當學生閉著眼睛，優美的旋律在耳邊流淌，藝術創作之路就向他們鋪開。教師要恰當地引導學生互相討論音樂帶給自己的感受，讓學生自己選擇繪畫工具，如水粉、水彩等，畫出心中的圖畫。教師要適時地對學生作品進行肯定的評價。
（二）用文學作品激發想象
文學家用文字打動人心，畫家用畫筆勾勒世界。兩者都是對社會真善美的藝術展示，優美的文字能激起畫家作畫的欲望。在美術教學中，可以引入傳統文化的精粹，讓文學語言展現魅力，激起學生的想象力。比如，馬致遠的經典詩文《浣溪沙》一系列場景構成了一副優美的圖畫：古藤旁的老樹、小橋、潺潺的流水、茶馬古道、一匹瘦馬、昏黃的落日，這些元素組成了一幅唯美的圖畫，雖然是生活中常見的，但每一組都有其自然風景的特點，從上到下，從遠到近，三組的審美形象的畫面，藝術再現了三維自然風光之美。教師引導學生展開想象，從語言的字里行間感悟生活之美，把學生對生活的體驗形成自己的藝術創作，通過各種形式記錄下來，幫助他們開啟藝術創造的大門。
二、開發潛在意識，創造想象
每個人都會做夢，夢也是人的一種生理現象。大家常說，日有所思，夜有所夢。夢的實質就是人對客觀世界的一種潛意識反應。教師可以引導學生用畫筆畫出夢的場景，盡管里面的人物、事件、場景不是那么清晰，但是學生可以按照自己的想象自由發揮。同時教師可以讓學生欣賞一些頗有自由浪漫和夢幻般的作品，共同分析一些藝術家的表現手法，如夏加爾的《我和村莊》與梵•高的《星夜》，然后用藝術的手段把夢境進一步完善。雖然學生因為年紀小，生活閱歷不足，很多作品比較生澀，但夢境的創作過程，正是想象力和創造力提高的過程。
三、積累生活素材，促發靈感想象
國內數字媒體制作手法仍然處在一個摸索借鑒的艱難轉折期。依賴直接的計算機編程手段來實現，許多逼真的三維動畫角色的設計、動態網頁設計的Java語言、Xml數據庫語言、Maya角色動畫設計的Mel語言等都要運用到計算機編程。由此來看，目前的數字當然也可以利用“藝術家+程序員”強強合作的方式來實現。隨著計算機高度智能化和程序員對自然語言的深入理解，未來的計算機說不定可像人造機器人、變形金剛一樣在藝術家的指導下從事“自主開發”的藝術創作活動，那時，數字藝術手段將會實現質的飛躍。
二、時下最流行的三種創作方法
算法式數字媒體藝術、交互式數字媒體藝術和基于人工智能的數字媒體藝術，構成了時下最基本的三種方法。這三種數字媒體藝術在操作方法、作品的內容形式、普及程度和影響面上均有所不同。
（一）算法式數字媒體藝術是指用某一公式或算法
這個公式或這個算法中帶以不同的參數，來直接產生一個系列的數字媒體藝術作品。此類作品的特點歸納起來就是主題比較抽象、圖案賞心悅目，可在服裝設計和工業品設計等領域大顯身手。這種方法的使用者主要是一些對計算機編程語言較為熟悉，具備理工科背景的藝術家所采用的方法。分形藝術和非真實感繪畫渲染是目前最有代表性的算法式數字媒體藝術。“分形（Fractal）”這一術語其實最初是源于數學范疇，從形而上學的角度來看，對于這個詞，巴洛克的解釋為不圓的珠子，分形指的是無規則、幾何所不能描述的無規則的幾何對象。比如，復雜的生命理解、流光溢彩的都市霓虹燈，與幾何圖形相比，顯得如此不規則和支離破碎，這些極不規則的對象簡單來說就是分形。分形藝術展現著無窮變化的抽象圖案，蘊藏著宇宙的奧秘，可通過計算機編程產生，許多數學家、幾何學家和藝術家沉迷其中。這些圖案不僅在科學研究上有很大的價值（如說明宇宙的演化和生物有機體的特征），而且可以直接應用到服裝、印染、噴繪和裝飾設計中。
（二）數字媒體藝術創作借助軟件來實現
是一個不斷實踐的過程，不斷發展的計算機技術已為創作活動提供了一個互動的平臺，光電鼠標等外設工具，操作環境也變得越來越人性化，藝術家借助這一界面和程序，進行更加專業化、更直接的應用。中國對3D很感興趣，但是觀望的居多，愿意真正大膽嘗試的卻不多，而整體技術經驗也很欠缺。數字影視對從業人員的專業水平要求比較高，既要能熟練操作各種軟件設備，又要能研發各種人物形象。
（三）人工智能化的數字媒體藝術
所謂智能化，可以形象地理解為，不借助人機界面控制，計算機可自行根據帶有反饋功能的軟件，自主完成視覺藝術的創作。計算機在繪畫創作過程中，不需要操作者給出提示或是不給任何提示，或編程人員加以部分操控計算機繪畫過程，或不需要任何人工指令輸入，完全是計算機的自主行為，是人工智能的產物。
三、結語
這種兒童心態說的不是幼稚，而是突出藝術創作時的心無旁騖，忘懷放達。無論美術、書法、音樂、舞蹈乃至寫作等，大凡藝術創作領域甚至其他學科專業都應有這種“童心”，這是一種單純，一種無瑕，一種情隨事遷、入景入情的創作心態。在我看來這種“童心”時而虛靜，時而熾情。在進行不同類型的創作時，表現為不同的心理狀態。書圣王羲之在《題衛夫人〈筆陣圖〉后》中提出:“天欲書者，先于研墨，凝神靜思，意在筆前，然后作家?！蓖豸酥搜?，正是表達一種虛靜的創作心態。在書畫藝術中，在創作山水工筆、小楷隸篆時多為虛靜之態。如在書法創作中靜品字意，絕慮凝神，心無旁騖，若有一顆童心般干凈。剔去雜念，通過貼與碑的結合識得相互啟迪的靈犀和聯袂的彩翼，這就達到了虛靜若孩童，交心達心開的意境。所以要入“jing”，這個“jing”，首先是“干凈之凈”，以一顆童心去雜念。其次，是“寧靜之靜”，凝神而絕躁;之后是“悟境之境”，此性靈而達心。正如劉勰在《文心雕龍》中所說:專在神應，陶鈞文思，貴在虛靜，疏淪五臟，澡志精神?！碑斀竦臅r代，不同于古人之所在，物質世界的豐富，讓人們面對著各種各樣的誘惑，各種各樣的虛假，各種各樣的浮華。名利的誘惑使得很多人對藝術創作失去了耐心，而是急功近利。但是從事藝術工作，是要坐得住冷板凳的。比如書法，要不是用數十年的功力去研習古人經典碑帖，怎能日后信筆鋪毫。所以搞藝術的，正是需要一顆天真而純潔的心，遠離世間的浮華，功利。但也不可閉門造車，用一顆簡單干凈的眼和心去觀察這個世界，潛心踏實地鉆研練習，用此上文所言之三個“jing”，去探求一個干凈、安靜、充滿意境的藝術世界。
2“童心創作觀”是自由無羈絆，放達而多感
另一種童心創作心態則表現為熾情心態。因孩童易動，而此動則不拘約束，往往都是動達自然，自由無羈。喜怒、窘迫、憂傷、愉快、思索、無聊、不平，甚至哭鬧、嬉笑……諸無常而于一身。往往，書畫家的熾情心態卻極類于此，即情燃如熾，激情奔放，欲罷不能，一吐為快，意猶未盡的心態。在書畫領域中，尤其體現在行書、草書、魏碑、潑墨和大寫意時常常而狂發。唐人懷素在《自親又貼》中就有:“粉壁長廊數十間，興來小豁胸中氣。忽然絕川三五聲，滿壁縱橫千萬字?！本褪侨绱耍煌虏豢?，所以要一吐為快，更是要一揮而就。當代書法家李孝椿曾常說:“每每草書創作時，仿佛口飲陳釀，心醉沉迷，幾乎忘懷之爾我。在筆線問游走，在點畫之中寄插跳蕩，酣暢淋漓，快而絕世!”這一時刻，書家畫家好似一個不諳世事的稚子孩童，忘懷身邊之任何，只注于揮灑自己的意氣。筆者常常靜靜觀察多位書家、畫家創作時的狀態，每于草書、潑墨、大寫意時果然非于常態，神采遠離，眉眼之光剔透非常，若迷醉、若脫于俗世，只于書畫相融，仿佛酒醉而迷神，又似太白舞劍而豪情放溢。我常希望能有此感，然技藝不精，勿談熾情了。上文中，筆者談到了藝術家在創作時的童心之觀意義所在。但兒童的情緒是多變的，而藝術家作為人，當然也有七情六欲，各種情緒。藝術家的作品，正是來源于這些情緒的表達，所謂寫“悲”則悲，寫“憂”則憂。再如王羲之寫《樂毅》則情多憂郁，書《書贊》則意境瑰奇，《黃庭經》則怡釋虛無，《太師箴》又縱橫廣闊。暨乎蘭亭興集，思逸神趨，私門誡誓，情拘志慘。所謂涉樂方興，言哀已嘆。創作內容對書寫情緒有著一點影響作用，真要完成一幅真正的書畫作品，“情感事遷”很是重要。
3“童心創作觀”是多彩而富有創造力
中國文化流傳至今，中國藝術繁衍千年而生生不息，不斷地創新，不斷在繼承中發展是不可缺少。中國藝術史上很多留名千載的古人大家，不論是經歷幾何，往往內心深處就是單純的“孩子”。竹林七賢也好，揚州八怪也罷，不為五斗米折腰的陶淵明，狂傲不羈仗劍行天下的李太白，都有著一顆干凈單純的心。離我們最近的齊白石先生，他一生作畫不計其數，而他的作品很多都是來源于他的所思所想。這位被稱為老頑童的大畫家，在1930年左右，也就是老人早過了花甲之年的時候畫過一張人物畫。一位白胡子、白眉毛的老者盤腿而坐，右手二指指向右側，而眼睛卻看向左方，神情好似有些不屑，卻還略帶一些笑意和頑皮。更覺得是老人的提款:“人罵我，我也罵人”。一見這幾字，再配上如此畫面，直嘆妙絕。這一提款和畫面在質樸的同事，不失文化的和經典的意義，可謂是返璞歸真，復得返自然之意。而畫出如此作品，離不開老人自己童年的故事，也正是有了這通天達地的童稚、無拘無束的童心，讓他有著多彩的想象力，無限的創造力，這些都出現在他的一筆一畫之間。北京奧運會奧運福娃的設計者，被稱為東方畢加索的畫家韓美林，他畫小動物的靈感來源于他對動物的愛。他家養的小貓、小狗雖然品種名貴，卻被冠以“秀英”“富貴”“二鍋頭”等等這些最土不過的名字。在他的生活中，無時無刻不存在著一份份童趣，這顆童趣也讓韓美林有了一顆溫暖的童心，這可童心往往就表現在了作品中。不論是白石老人，還是韓美林，很多藝術家都有著這顆童心，這就好比兒童的心理，孩子們的想象力都是不可捉摸的，一草一木，一花一樹在孩子們的眼里都是與眾不同、天馬行空的，每個人的眼里都有著自己的一幅畫面。所以就如同藝術創作，藝術不是人云亦云，不是鸚鵡學舌，有自己的特點，有著無窮的想象力，正也是童心創作觀眾的一個方面。
4結語
在藝術的整個創作過程中，靈感起到積極地作用，但它并不是呼之即來揮之即去的，靈感是在各種心理因素的恰當組合為最佳心理狀態時產生的。這些心理因素只是處于持續的運動與調整之中，才會忽然出現適合于特定創造要求的恰當的組合。靈感的情況很復雜，它的奧秘也未完全揭開。這種“瞬間的頓悟”到來也是可以培養和追求的，這種培養并不能確定無疑靈感就會出現，只是有助于它出現的一種方式。
二、靈感的來源與培養
杜工部的：“讀書破萬卷，下筆如有神”。他所說的“下筆如有神”中的“神”就是靈感，而“讀書破萬卷”是需要下功夫。就他而言，靈感是從功夫中出來的。靈感是在潛意識中的思想突然出現成為意識。在意識中思索的東西應該讓它在潛意識中醞釀一些時候才會成熟。它雖然突如其來，卻不是毫無準備的。如畫家只會出現繪畫的靈感，而不會出現戲劇表演的靈感；因為畫家只是持續進行了繪畫的實踐，而未進行戲劇表演。由此我們知道“讀書破萬卷，下筆如有神”意味著讀書只有讀透書，再落實到筆下，運用起來才能得心應手，有如神助一般。不過靈感的培養不必限于讀書，以下通過三點來分析。
1、明確的創造動機和要求。靈感狀態是各種心理因素的協調配合，無論是吟詩作畫、編劇譜曲，其靈感模式都需要一種模式的心理因素組合，而任何模式的組合都是各種心理因素根據特定的創造動機與要求不斷運動與調整而自然出現的。
2、刻苦持久的創造勞動。俄國畫家列賓認為靈感是“頑強的勞動而獲得的獎賞”。有了強烈的動機要求就需要體現到行動上，再去進行的實踐活動。這個過程中要注意保持思維的靈活性來擺脫僵化的慣性，突破狹隘的范圍。
3、潛意識適當的情緒狀態。情感活動能夠反作用于認識過程；大腦的認識功能都會因為情緒的積極催化而活躍起來。藝術創作的靈感是來源于眾多方面，這種思維活動需要無意中的觸碰才能產生突然間的頓悟，成為藝術創作的源泉。創作者要有豐富的文化底蘊，各門藝術的意象都是觸類旁通的，凡是藝術家都不宜只在本行小范圍之內用功夫，須處處留心玩味。要善于觀察善于挖掘，當累積的知識到一定程度我們頭腦中就會閃現與大千世界觸發所得到的各式各樣的靈感，并使之轉化為藝術品。
三、結語
1.統一的審美標準與既定規則的支撐
所謂的傳統即是不斷被肯定的慣例，它“需要公認的美善標準和既定的規則來支撐，這些標準和規則不是個人所能決定的，很大程度上取決于社會公意，進而形成社會的審美價值”。馬克思認為藝術品的最高價值是經由其他社會方面的價值一起完成的，包括社會價值、道德價值和宗教價值。這種價值觀經各代的思想者通過研究藝術和詩歌來給美作以抽象的定義，用最帶普遍性的術語來表達美的標準，為其找到一些普通使用的公式，成為一種審美經驗。相應地在藝術創作中便形成了藝術運動的固定原則乃至共同的標準。而在傳統社會中，個人生活在傳統之中，傳統是代代相傳不變的經驗，古典主義藝術正好符合這種不具有個人色彩、不反映個人觀點、不具有過激的創新風格，也不是為了適應市場需求而創作的特征。在現代西方資本主義社會中，現代人除了自己以外已經對任何價值系統喪失信仰，出現了藝術上的個人主義。人們或是對社會秩序公然表示敵意，或是根本漠不關心，任何形式的限制都被視為是一種局限。但是，這些社會和心理事實已經使藝術家在現實社會中難以立足。也就是說，如果藝術家有絕對的自由，任何事物只要經由他的認可都可以成為藝術，那么藝術就將停留在這種情況下，再無超越和進步的可能了。因此，在現代社會中，傳統的已受到認可的古典主義被繼承、弘揚，形成先后延承、生生不息的發展態勢。
2.哲學與美學的影響
理論對實踐起到不可小視的指導作用。從這個角度出發，西方文藝實踐的發展與哲學思想的發展息息相關。就藝術創作上的古典主義傳統而言，它的形成是同古典哲學、美學的不間斷發展相聯系的。西方哲學源于古希臘，從古希臘諸位哲學家提倡的希臘藝術創作的最高理想—合式原則，到17世紀波瓦洛提出的文藝創作上的理性原則，以及18世紀啟蒙運動的滾滾洪流中康德、黑格爾締造的德國古典哲學的殿堂，而德國古典哲學也成為現當代哲學的直接源頭?，F當代西方哲學不論哪個流派，都不能不面對古典哲學這深厚的傳統，那些試圖從古典哲學中尋找思想資料的現當代西方哲學家，固然會自覺地把古典哲學作為自己思想的起點。
3.文化源頭的相關性與古典文化的復興
就整個西歐范圍而言，各個國家擁有大致相同的文化源頭，擁有共同的。19世紀之前，在西方美術史的撰寫和美術史的教學工作以及歐洲重要博物館的收藏中，古典藝術仍舊占主流。由古希臘羅馬作為古典主義文化的源頭，自意大利在14世紀重新熱衷于古典主義文化藝術遺產開始，恢復古代文化及藝術風格便成為可能。歷經數代，雖然產生了其他藝術樣式和藝術風格，但突然出現了驚人的“退化”現象，20世紀的藝術家們，比如意大利新藝術運動的畫家卡索拉蒂、未來主義的藝術家巴拉等，這些藝術家的創作在經歷一段激進傾向之后便重新投入古典主義的懷抱。另一方面，西方現代文明也正是古希臘文明與基督教文明共同孕育的果實。當藝術作品進入傳統的藝術體系之后需要一種來源于藝術史的質量認證的標準，這暗示了恒久的質量需要一種傳統性的因素作為參照和比較的框架，而從文化的層面出發，古典主義傳統難以更移。
二、造成西方古典主義繪畫傳統具有持久性表現的其他因素
